Ansel Adams là một nhiếp ảnh gia người Mỹ được biết đến rộng rãi với những bức ảnh đen trắng độc đáo được chụp ở Công viên Quốc gia Yosemite, cũng như các phong cảnh và yếu tố tự nhiên khác. Adams là một trong những nhân vật được kính trọng nhất của nhiếp ảnh phong cảnh. Trong suốt sự nghiệp gần 60 năm của mình với tư cách là một nhiếp ảnh gia mỹ thuật và thương mại, Adams đã khám phá và ghi lại sự hùng vĩ của thiên nhiên. Các kỹ thuật thông minh của ông đã giúp nâng tầm nhiếp ảnh phong cảnh và ảnh hưởng đến công nghệ hình ảnh đương đại.

Ansel Adams có khả năng là nhiếp ảnh gia người Mỹ nổi tiếng nhất thế kỷ 20. Phong cách của Ansel Adams được tiêu biểu bởi những hình ảnh đen trắng mạnh mẽ phổ biến và đã trở thành tiêu chuẩn trong thế giới nhiếp ảnh đương đại. Adams muốn hình ảnh nổi lên như hình dung của nghệ sĩ trước khi tạo hình ảnh. Kỹ thuật này sẽ hữu ích vì nó có thể tạo ra những âm bản gần như hoàn hảo. Tác phẩm của miêu tả bầu không khí và quy mô của những cảnh quan miền núi đó.

Trong các bức ảnh của Ansel Adams, chúng ta thấy những đám mây bão bao phủ các đỉnh núi hoặc cơn mưa nhẹ mùa hè. Adams thích phong cảnh ấn tượng và thường chụp về phía trước hoặc ngay sau một cơn bão. Phong cách hình ảnh của ông đã sử dụng các hiệu ứng thời tiết để nâng cao chất lượng hoạt động của bức tranh. Ông đã nhận được một số giải thưởng trong suốt cuộc đời của mình và sau đó. Sự cống hiến của ông cho nhiếp ảnh và bảo vệ môi trường là nguồn cảm hứng cho các nghệ sĩ và những người yêu thiên nhiên.

Những hình ảnh về nước Mỹ trong thời kỳ Suy thoái của Dorothea Lange đã khiến bà trở thành một trong những nhiếp ảnh gia tài liệu nổi tiếng nhất thế kỷ 20. Trên hết, bà được nhớ đến vì đã tiết lộ hoàn cảnh khó khăn của những người chia sẻ, nông dân di dời và công nhân nhập cư vào những năm 1930, và bức chân dung của bà về Florence Owens Thompson, Người mẹ di cư, Nipomo, California (1936), đã trở thành một biểu tượng của thời kỳ này.

Sau thời kỳ suy thoái, Dorothea Lange tiếp tục tận hưởng sự nghiệp lẫy lừng trong lĩnh vực báo ảnh trong thời kỳ hoàng kim, làm việc cho các tạp chí hàng đầu như Fortune và Life, và đi khắp Châu Á, Châu Mỹ Latinh và Ai Cập. Dorothea Lange đã có công trong việc tổ chức triển lãm "Gia đình đàn ông" tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York vào năm 1959, một lễ kỷ niệm nổi tiếng về nhân loại đang gặp khó khăn sau chiến tranh. Dorothea Lange coi mình là một nhà báo và thứ hai là một nghệ sĩ với mong muốn cháy bỏng là tạo ra sự thay đổi xã hội.

Nhiều bức ảnh tư liệu của Lange mượn các kỹ thuật từ từ vựng của chủ nghĩa hiện đại - góc ấn tượng và bố cục động để tạo ra những hình ảnh gây sửng sốt, chúng hướng người xem một cách tinh tế đến sự đánh giá mới mẻ về hoàn cảnh của từng cá nhân. Công việc trưởng thành của Lange đã chứng minh rằng các tác phẩm nghệ thuật và tài liệu không loại trừ lẫn nhau và chúng có thể kết hợp để tạo ra những hình ảnh đẹp, cảm động và có tính vận động cao. Việc bà sử dụng các kỹ thuật sáng tạo cũng chứng minh rằng nghệ thuật hiện đại không chỉ cần truyền tải những cảm xúc riêng tư của nghệ sĩ mà còn có thể được đưa vào các dịch vụ của báo chí đại chúng.

Edward Weston là người giúp cách mạng hóa nhiếp ảnh để nó trở thành một thành phần quan trọng của nghệ thuật hiện đại. Những mối quan hệ khiến Edward Weston gặp rắc rối trong cuộc sống cá nhân, nhưng đã nâng ông lên một tầm cao mới trong nghề nghiệp của mình - giúp ông tạo dựng mối quan hệ nghệ thuật với những người theo chủ nghĩa hiện đại khác và truyền cảm hứng cho động lực suốt đời của để nắm bắt được bản chất và vẻ đẹp của những đồ vật hàng ngày.

Thông qua việc quảng bá nhiếp ảnh trực tiếp và sổ nhật ký ghi lại quá trình phát triển nghệ thuật của mình, Edward Weston đã giúp củng cố vị trí của nhiếp ảnh như một phương tiện nghệ thuật hiện đại hợp pháp và ảnh hưởng đến cả một thế hệ nhiếp ảnh gia người Mỹ. Bằng cách tạo ra những bức ảnh biến đối tượng của mình thành những hình khối và hoa văn trừu tượng, Weston đã giúp đưa phương tiện ra khỏi thời đại Victoria vốn ưa chuộng sự bắt chước tranh của các nhà tranh ảnh và bước vào thời kỳ hiện đại, trong đó nhiếp ảnh đã trở thành một phương tiện nổi tiếng theo đúng nghĩa của nó.

Tương tự như những hình ảnh được sử dụng bởi những người theo chủ nghĩa Siêu thực, những bức ảnh hiện thực, có độ phân giải cao của Weston về các dạng hữu cơ và những điều kỳ diệu hiện đại đã khuyến khích người xem xem xét lại các vật thể có vẻ trần tục và hình thành mối liên hệ mới với chúng. Weston đồng sáng lập Nhóm f/64, nhóm đã quảng bá thay vì che đậy các đặc điểm của nhiếp ảnh và đã chuyển đổi nhiếp ảnh gia từ vai trò là một thợ in thành nghệ sĩ thực sự.

Tác phẩm của Cartier-Bresson bao trùm các thể loại nhiếp ảnh trong suốt sự nghiệp lâu dài của ông. Henri Cartier-Bresson được coi là người tiên phong trong nhiếp ảnh đường phố và tự nhiên nhưng cũng nổi tiếng vì đã tạo ra một số bức ảnh chân dung hấp dẫn nhất về những người nổi tiếng, từ Jean-Paul Sartre và Leonard Bernstein đến Marilyn Monroe và Malcolm X. Là người sớm sử dụng phim 35mm, Cartier-Bresson không bao giờ muốn sử dụng phòng tối để điều chỉnh các bức ảnh của mình, một sự lựa chọn giúp nâng cao tính tự nhiên cho các bức ảnh của ông và nhấn mạnh cái mà ông gọi là "thời điểm quyết định".

Không một nhiếp ảnh gia nào gắn bó chặt chẽ với sự phát triển của phóng sự ảnh hiện đại hơn Cartier-Bresson. Để nâng cao khả năng chụp những kiểu ảnh thẳng thắn mà bản thân nhiếp ảnh ưa thích, Cartier-Bresson thường quấn chiếc máy ảnh Leica của mình bằng băng dính màu đen để làm cho nó bớt khó chịu hơn. Chiếc máy ảnh của ông trở thành một phần mở rộng của đôi mắt khi đi lang thang, tìm kiếm tài liệu thị giác kích thích về mặt trực quan, tâm lý và trí tuệ. Ngoài chụp ảnh tĩnh, Cartier-Bresson còn là một nhà làm phim tài ba với gần mười bộ phim và được coi là một nhân vật có ảnh hưởng trong sự phát triển của cinéma vérité.

Cartier-Bresson đồng sáng lập Cơ quan ảnh Magnum - một hợp tác xã thuộc sở hữu của các thành viên - đã kết nối các nhiếp ảnh gia với khách hàng trên khắp thế giới. Nhiệm vụ của cơ quan là phổ biến rộng rãi những bức ảnh theo cách này hay cách khác là mẫu mực của thời kỳ hiện đại và cũng mang tính nhân văn vốn có.

Đơn giản, tinh tế và mạnh mẽ, những trang bìa mang tính biểu tượng của Irving Penn chụp cho Tạp chí Vogue giới thiệu những đường nét cân đối của Paris và New York thời hậu chiến, đồng thời làm thay đổi thẩm mỹ của ngành thời trang. Penn đã loại bỏ mọi thứ khỏi cảnh quay chỉ có quần áo và người mẫu. Từ việc loại bỏ người mẫu thời trang trong buổi chụp đầu tiên năm 1943 đến việc loại bỏ môi trường cho nhân vật, các bức ảnh của ông sử dụng sự vắng mặt để kích thích thị . Những nhân vật được thắp sáng ngoạn mục của ông về cơ bản là những tác phẩm điêu khắc sống.

Lấy cảm hứng từ Chủ nghĩa siêu thực, khiêu vũ hiện đại và phim noir, những bức ảnh của Irving Penn được coi là những tuyên bố thị giác đầy khiêu khích, không chỉ là những bức ảnh thương mại. Với sự nắm vững về hình học của cơ thể, tâm lý của chủ nghĩa tiêu dùng và kiến thức bách khoa về lịch sử nghệ thuật, Penn đã nâng nhiếp ảnh thời trang lên thành lĩnh vực nghệ thuật cao. Penn đã phát minh ra bộ ảnh thời trang kỳ lạ từ gười mẫu đơn độc trên đảo hoang, hay ở một thành phố xa xôi, xuất phát trực tiếp từ giấc mơ ban ngày.

Vào những năm 1970, thế giới vẫn coi nhiếp ảnh thương mại và nghệ thuật là hai lĩnh vực riêng biệt. Bằng cách tạo ra các bản in chất lượng cao từ một số bức ảnh đầu tiên của mình, Irving Penn đã giúp khán giả thấy rằng sự phong phú về tông màu và sự biến đổi trong các bức ảnh của ông có thể tinh tế như một bức tranh khắc. Penn là nghệ sĩ đầu tiên hoàn toàn nhận ra tiềm năng kết hợp các yếu tố của chụp ảnh thời trang với chụp chân dung.

Richard Avedon đã loại bỏ bộ ba tiêu chuẩn về những người mẫu giống như bức tượng trong nhiếp ảnh thời trang thông thường. Thay vào đó, nhiếp ảnh gia trẻ tuổi hào hoa đã làm sống động những người mẫu của mình và quan trọng nhất là thể hiện khía cạnh con người, những sai sót và tất cả cảm xúc của họ. Tuy nhiên, ông có lẽ được biết đến nhiều nhất với những bức chân dung bắt mắt, đen trắng và thường là khổ lớn về mọi người, cho dù là người nổi tiếng hay người vô danh, cũng giống như nghiên cứu tâm lý cũng như thể chất.

Với tư cách là một nhiếp ảnh gia thời trang và chân dung mỹ thuật mang tính đột phá, bề rộng và sự sáng tạo trong các tác phẩm của Avedon đã khiến anh ấy trở thành một trong những nhiếp ảnh gia có ảnh hưởng nhất của thế kỷ 20. Những bức ảnh của ông, theo tờ New York Times, "đã giúp xác định hình ảnh về phong cách, vẻ đẹp và văn hóa của nước Mỹ" kể từ những năm 1950. Mặc dù không thiết kế những bộ quần áo mà Veruschka hay Twiggy hay Brooke Shields mặc, nhưng ông đã tạo ra những bối cảnh sáng tạo cho cả người mẫu và người mặc, giúp những hình ảnh thời trang bắt mắt, đáng nhớ làm thay đổi nhiều khía cạnh của văn hóa Mỹ.

Phong cách chụp ảnh thời trang của Avedon đã mang đến những bức ảnh chất lượng mới mẻ, nhân văn cho thể loại này. Các đối tượng của anh ấy chiếm phần lớn bố cục, thậm chí đôi khi vượt quá ranh giới của nó và do đó dường như bị cắt xén một cách khó hiểu. Ngoài ra, nền trắng đặc trưng của Avedon không cung cấp ngữ cảnh; không có câu chuyện nào ngoài khuôn mặt và cơ thể của đối tượng. Theo quan điểm của Avedon, màu sắc tạo ra sự phân tâm không mong muốn khỏi sự xem xét kỹ lưỡng theo cách trực quan .

Diane Arbus là một nhiếp ảnh gia người Mỹ nổi tiếng với những bức ảnh đen trắng cầm tay về những người bị gạt ra ngoài lề xã hội như người lùn, quái vật trong rạp xiếc, người khổng lồ, người không tuân thủ giới tính, cũng như các đối tượng bình thường hơn như gia đình ngoại ô, người nổi tiếng và người theo chủ nghĩa khỏa thân. Tác phẩm của Arbus có thể được hiểu là đồng thời mang tính kỳ quái, kỳ ảo và tâm lý phức tạp - dù bằng cách nào, cô ấy đã tiến thêm một bước trong việc chụp ảnh tài liệu.

Ý tưởng về bản sắc cá nhân được xây dựng về mặt xã hội là ý tưởng mà Arbus tìm kiếm trong suốt sự, cho dù đó là những người biểu diễn, phụ nữ và nam giới trang điểm hay một chiếc mặt nạ che khuất khuôn mặt của một người. Các nhà phê bình đã suy đoán rằng những lựa chọn trong các môn học của bà phản ánh các vấn đề tồn tại bên trong bà. Điều này phát triển thành khao khát những thứ mà tiền không thể mua được, chẳng hạn như trải nghiệm trong thế giới xã hội ngầm

Arbus đã sử dụng các kỹ thuật chụp ảnh tài liệu hoặc phóng sự ảnh để thể hiện các đối tượng ngoài đời thực trong môi trường tự nhiên. Thông qua Arbus, con người (ngay cả những người trần tục và trung lập nhất) trở thành những cảnh tượng thị giác. Arbus trở nên nổi tiếng trên toàn thế giới nhờ những hình ảnh khiêu khích của mình, và vẫn là một trong những nhiếp ảnh gia Mỹ Hậu Hiện đại độc đáo nhất.

Man Ray đã làm việc theo phong cách chịu ảnh hưởng của Chủ nghĩa lập thể, Chủ nghĩa vị lai , Dada và Chủ nghĩa siêu thực. Ông trở thành một nhiếp ảnh gia thời trang được săn đón. Man Ray có lẽ được nhớ đến nhiều nhất với những bức ảnh của ông về những năm giữa các cuộc chiến, đặc biệt là những bức ảnh không có máy ảnh mà ông gọi là 'Rayographs', nhưng trước hết Man Ray luôn coi mình là một họa sĩ.

Đối với Man Ray, nhiếp ảnh thường hoạt động trong khoảng cách giữa nghệ thuật và cuộc sống. Đó là một phương tiện để ghi lại các tác phẩm điêu khắc chưa bao giờ có cuộc sống độc lập bên ngoài bức ảnh, và nó là một phương tiện để ghi lại các hoạt động của những người bạn tiên phong của mình. Công việc của ông với tư cách là một nhiếp ảnh gia thương mại đã khuyến khích ông tạo ra những bản in đẹp, được bố cục cẩn thận.

André Breton đã từng mô tả Man Ray là một "người theo chủ nghĩa tiền siêu thực", điều này mô tả chính xác mối quan hệ tự nhiên của nghệ sĩ đối với phong cách này. Ngay cả trước khi phong trào hợp nhất lại, vào giữa những năm 1920, tác phẩm của ông, chịu ảnh hưởng của Marcel Duchamp , mang âm hưởng Chủ nghĩa siêu thực, và ông sẽ tiếp tục dựa trên những ý tưởng của phong trào trong suốt cuộc đời mình.

Robert Capa là một nhiếp ảnh gia và phóng viên ảnh gốc Do Thái. Robert Capa đã tạo ra những bức ảnh đạt được hiệu quả đặc biệt mạnh mẽ thông qua mối liên hệ và tình cảm mạnh mẽ của ông đối với mọi người. Robert Capa sử dụng chiếc máy ảnh nhỏ 35mm đã cho phép ông tiếp cận các đối tượng của mình và lao vào tác mà không giống bất kỳ ai khác. Kết quả là một bước đột phá trong lịch sử báo ảnh. Ông đồng thời là bạn đồng hành và cộng sự chuyên nghiệp của nhiếp ảnh gia Gerda Taro. Ông được một số người coi là nhiếp ảnh gia chiến đấu và phiêu lưu vĩ đại nhất trong lịch sử.

Trong sự nghiệp của mình, Robert Capa đã nhiều lần mạo hiểm mạng sống của mình, đặc biệt nhất là khi anh ấy là nhiếp ảnh gia dân sự duy nhất hạ cánh xuống Bãi biển Omaha vào D-Day. Picture Post gọi ông là "nhiếp ảnh gia chiến tranh vĩ đại nhất thế giới" vào năm 1938 với một loạt 26 bức ảnh được chụp trong Nội chiến Tây Ban Nha. Tuy nhiên “nhiếp ảnh gia chiến tranh vĩ đại nhất” ghét chiến tranh. Là một phóng viên ở châu Âu, ông đã chụp ảnh Chiến tranh thế giới thứ hai, đưa tin về cuộc đổ bộ của quân đội Mỹ lên Bãi biển Omaha vào Ngày D, giải phóng Paris và Trận chiến Bulge. Giải thưởng Huy chương vàng Robert Capa được thành lập vào năm 1955 để trao thưởng cho thành tích chuyên môn xuất sắc.

Ít có nhiếp ảnh gia nào khơi dậy cuộc tranh luận quốc gia về tự do nghệ thuật và chủ nghĩa khêu gợi sâu sắc như Robert Mapplethorpe. Mặc dù vô địch nhờ chụp ảnh đen trắng khiêu dâm về hình ảnh đồng tính nam ở Thành phố New York, nhưng những thành tựu nghệ thuật của ông trải dài trên nhiều phương tiện truyền thông. Ông được biết đến nhiều nhất với tư cách là một nhiếp ảnh gia và các chủ đề bao gồm ảnh khỏa thân điêu khắc, hình ảnh S&M khiêu dâm, chủ đề đồng tính luyến ái, hoa và chân dung của những người nổi tiếng.

Mapplethorpe quan tâm đến các giá trị phổ quát như tính đối xứng và vẻ đẹp, đồng thời tiếp cận tất cả các đối tượng của mình bằng con mắt tinh tường như nhau thông qua bố cục tuyệt vời, sử dụng độ tương phản màu sắc và ánh sáng điện ảnh. Cách tiếp cận chủ nghĩa hình thức của ông đối với nhiếp ảnh cho phép nghệ sĩ tiếp cận chủ thể chủ yếu thông qua vẻ đẹp và bố cục, sau đó là thông qua nội dung. Thật dễ dàng để tìm thấy giá trị tài liệu trong tác phẩm của ông, tuy nhiên, quan tâm nhất đến hoàn cảnh khó khăn trong việc thể hiện nghệ thuật, luôn tìm kiếm những cấp độ tự thể hiện mới.

Robert Mapplethorpe được coi là một người theo chủ nghĩa hình thức vì việc sử dụng nhiếp ảnh điêu khắc của mình và thường liệt kê Michelangelo là người có ảnh hưởng chính. Đối với ông, nhiếp ảnh là một phương tiện để kết thúc quá trình tìm kiếm sự thể hiện bản thân ban đầu. Việc sử dụng phương tiện thực dụng của ông đã dẫn đến một cuộc cách mạng cho nhiếp ảnh nghệ thuật.